Алексей MAESTRO: «Портреты с фотографии на заказ не пишу категорически!»

Алексей Цыбисов родился 14 мая 1990 года в Казани. В 2009 году окончил Казанское художественное училище им. Н.И. Фешина, в 2015 – Московский государственный академический художественный институт им. В.И. Сурикова. В 2016 вступил в Союз художников России и начал преподавательскую работу в Казанском государственном институте культуры. В 2018 году завершил образование в живописных творческих мастерских Российской академии художеств в Казани.

Алексей Цыбисов – один из наиболее талантливых и активных молодых художников Татарстана, работает в живописной и графической техниках, используя традиционные материалы – холст и масло, бумагу и графитный карандаш. Хорошая академическая школа определяет профессиональную свободу, интерес к жизни заставляет всматриваться в окружающее, внутренняя наполненность дает импульс поэтическим переживаниям, рождая диаметрально противоположные образы. Графика Алексея Цыбисова – это прямое отражение видимого мира, заставляющее вспомнить о некогда модном направлении «гиперреализм», интерес к которому вновь возрождается в наше время.

Живописные полотна Алексей Цыбисова населены образами, которые вызывают ностальгические чувства об ушедшей Belle Époque – прекрасной эпохе накануне Первой мировой войны, когда научный и технический прогресс сопровождался расцветом культуры и искусства, когда мужчины были мужественны и элегантны, а женщины изящны и восхитительны. Утонченные линии силуэтов, лишенных портретных характеристик, тонкие колористические сочетания, изысканная игра живописных фактур – все это позволяет не только вообразить, но и воочию увидеть Мечту художника.

Старший преподаватель и заведующий отделением «Монументальное искусство и живопись» Казанского государственного института культуры является самым молодым художником в Казани, чьи работы были выставлены на таких крупных площадках, как «1st Gallery» и «Хазинэ». Как признается Алексей Цыбисов, ему не хочется быть заложником одной стилистики, поэтому он до сих пор, учится и «прокачивает» в себе разные манеры исполнения. Мы встретились с ним в его казанской мастерской, где он работал несколько лет.

– В то время, когда я работал в мастерской, я просыпался и приходил сюда каждый день, проводя здесь полноценный рабочий день. Не важно, как ты себя чувствуешь, какое у тебя настроение, ты приходишь и выполняешь свою работу ежедневно. Бывало, перед сном вечером неожиданно возникает образ, и уже утром, творчески «голодный», скорее бежишь в мастерскую, чтобы воплотить его. Для меня это рабочие будни. Спать до обеда и приходить на часок – это не про меня. У меня все строго. Я работаю все семь дней в неделю. Когда мы учились в институте, нас даже за это не любили  вахтеры, потому что мы уже второго января выходили на учебу, несмотря на то, что официально нужно было с одиннадцатого. Мы старались работать все праздники и выходные, потому что появляется творческий азарт.

– Что Вас вдохновляет сейчас?

– Вдохновляет практически все. Например, меня часто ругали в институте за то, что я рисовал мусорки, разрушенные дома, но именно это меня интересовало, потому что в любом хаосе  есть системность. Если ты захочешь, ты так не сделаешь. А то, что делает природа – это красиво. Вообще, меня  вдохновляют  старинные вещи, которые я стараюсь найти повсюду. Принято считать, что вдохновение посещает ночью. Но у меня есть четкое разграничение: до двух-трех часов дня  –  живопись, а после этого уже непосредственно перехожу на графику.

Мои работы кардинально отличаются. Живописная серия под названием «Она» – это абстрактные женские образы, которые не имеют портрета, специально для того, чтобы люди, которые будут смотреть на работу, могли себе домыслить свой возникающий образ и задать себе самый главный вопрос: «Кто же Она?». А графическая серия под названием «Одиночество»,  выполненная в стиле критического реализма, хотя в ней есть доля условности, отражает жизненные пороки, нацелена на современную молодежь.

– Что Вы делаете, чтобы удержать Музу?

– Когда вдохновение уходит, я переключаю внимание на другие дела. Такое бывает, когда тебя кто-нибудь дергает, ты отвлекаешься, а творчество уже оставляется на потом. Я люблю начинать и сразу заканчивать. Большие работы и вовсе пишутся на одном дыхании. Но было и такое, что некоторые из них писались по два месяца. Эскиз, вроде бы, набросал, все обозначил, но вдруг появляется некая «дрожь в руке», как бы мысленная связь с рукой потеряна. Тогда просто нужно переждать. В такие моменты стараюсь занять себя другими вещами. Я часто приходил к своему отцу на работу, он был главным механиком в одном их крупных автосервисов, и помогал ему. Это позволяло мне отвлечься и свои мысли привести в порядок. Сейчас это стало моим хобби.

– Как и почему появились серии «Она» и «Одиночество»?

– На живописную серию «Она» меня вдохновила старая эпоха. Раньше я очень любил смотреть сериал «Пуаро», где главную роль играл Дэвид Суше. Этот образ меня поразил своей тонкой педантичностью. Мне очень нравится стиль 20х–30х годов прошлого столетия. Я бы все отдал, чтобы пожить в то время. Графическая серия «Одиночество» более современная. Когда создавались эти работы, я пытался примерить образ на себя. Почему я выбрал именно себя? Потому что модель, которая действительно бы отражала то, что я задумал, было очень сложно найти. В этот момент я вспомнил слова своего преподавателя Махмута Ахатовича Вагапова (с 1995 года был директором Казанского художественного училища им. Н. И. Фешина – прим. ред.): «Ты не должен  “высасывать” образ из пальца. Когда ты его увидишь,  сделаешь правдоподобнее». Эта серия рассчитана на современников. Сейчас общество, на мой взгляд, к сожалению, катится вниз, потому что все в телефонах. Живого общения мало. У меня есть работа, посвященная этому, называется «Социальные сети», где изображен молодой человек, в очках, наушниках, весь погруженный  в виртуальность, а мимо него пролетает бабочка. Бабочка символизирует мир живой, который находится вокруг него, а он его не замечает. Хотелось бы, чтобы люди смотрели на это и задумывались. Выставка «Мечта. Реальность» состояла именно из двух серий, что бы люди не забывали мечтать и видеть прекрасное вокруг себя.

– Почему Вы стали преподавать?

– В 2015 году вернувшись из Москвы, работая в Творческих мастерских живописи Российской Академии  художеств в Казани, я начал задумываться о преподавании. Мне было интересно поделиться своими знаниями. К этому времени филиал института им. В.И Сурикова в Казани закрылся, и моя преподавательская деятельность началась в  Казанском государственном институте культуры, где меня очень хорошо встретили. Сначала преподавал на заочных отделениях. Руководство института и особенно студенты оценили мою работу. С нового учебного года меня назначили старшим преподавателем и заведующим отделением «Монументального искусства и живописи».

– Разве можно научить творчеству?

– Можно научить – хорошей технической базе. А после этого человек должен искать себя. Главная ошибка начинающего художника – звездность. Если он говорит: «Какой я великий, я все могу», значит, художник в нем умер. Даже слово «картина» в современном мире уже звучит пошло, потому что сейчас картиной называют все, что угодно. Я считаю, что профессионалу просто необходимо иметь высшее образование. Особенно если вы хотите быть преподавателем. А курсы и арт-студии – это просто хобби.

– Помните свою первую проданную картину?

– Это была учебная работа. В 2010 году в Свияжске мы проходили практику. Приезжал некий миллионер из области кондитерского дела, чтобы посмотреть, как здесь живут люди. А мы писали работы этюдного характера, задача была показать разницу цветовых отношений окружающей среды.  Ему показали мою работу, его заинтересовало, и он приобрел. Деньги были небольшие, но на тот момент, первую работу продать – это, конечно, было здорово, тем более такому человеку.

– У Вас часто покупают картины?

– Не часто. Смотря, что называть картиной. Искусство стоит дорого. Зачастую люди приходят и видят, что это действительно необычно, и до этого они нигде этого не видели. Но когда называешь цену, то у людей пропадает желание приобретать работу.

– А сколько стоит работа из графической серии (бумага, карандаш)?

– Девяносто тысяч рублей. Галерея «Хазинэ» собиралась приобрести некоторые работы, но сочла, что это дорого.

– А в Европе?

– Недавно наши ребята ездили туда. Европа пресытилась, потому что все состоятельные люди, которые что-то в искусстве понимают, в основном все приобрели. Некоторые европейские работы сделаны быстро, непрофессионально и только для того, чтобы продать. Понятно, жизнь заставляет. Лично я писал портреты с фотографий только для друзей, и то, чтобы их не обидеть. На заказ такое категорически не пишу. Еще никогда не взялся бы за пейзажный кич. Кстати, заказов таких много. Но когда узнают, что это стоит восемь тысяч рублей, например, все удивляются. Потому что не знают, сколько стоят краски, кисти, холст и моя работа. Мне друзья говорят, что на этом можно прилично заработать: «Это же так быстро, чего тебе это стоит, пиши, это деньги». Но я считаю, что чем больше коммерческих заказов, тем больше потраченного времени впустую, не на творчество. Тем быстрее в тебе умирает настоящий художник, потому что в творческой работе ты начинаешь по привычке делать то же самое. И для меня это самый большой восклицательный знак.

– Чье творчество Вас вдохновляет?

– Мой современник Николай Блохин. Он – последователь Фешина, который делает очень интересные вещи. К тому же, у него и техника очень  разнообразная – уголь и карандаш, которые он хорошо комбинирует. Еще  Густав Климт, Эгон Шиле, которыми я восхищаюсь и советую смотреть их работы своим студентам.

– Какой будет ваша следующая выставка?  Уже начали что-то готовить?

– Пока, к сожалению, нет. Я, скорее всего, буду продолжать свои начатые темы, потому что они далеко не законченные. Ко мне приходит еще очень много идей. Пока не хватает времени на реализацию. Чем больше работ будет, тем лучше. Моя мечта – большая персональная выставка.